Templo de Efesto en Turquía

ANÁLISIS Y COMENTARIO DE LA MAISON CARRÉE DE NÎMES (FRANCIA)

Arte Romano. Se trata de la Maison Carrée de Nîmes (Francia), perteneciente al siglo I d.C., período imperial.

La Maison Carrée es uno de los mejores ejemplos del templo pseudoperíptero romano. Se utiliza el sistema constructivo arquitrabado y resulta bastante similar a las obras griegas, aunque con algunas diferencias. Es un templo hexástilo elevado sobre un podio o basamento que se prolonga hasta la escalinata que se ve flanqueada por él. La escalinata permite el acceso a ese podio sobre el que se encuentra erigido un profundo pórtico y la cella, que ocupa toda la superficie y llega hasta el fondo.

Así, con esta breve descripción podríamos pensar que no mantiene ninguna singularidad en relación con el templo griego, pero lo cierto es que el arte romano va a tener unas características propias, una personalidad bien definida que se pone muy de manifiesto en la arquitectura. El mero hecho de prolongar la columnata del pórtico a lo largo de todo el perímetro de la cella, a través de semicolumnas adosadas al muro, es uno de los rasgos más característicos, que se va a volver a repetir en otro templo pseudoperíptero, el templo de la Fortuna Viril en Roma.

A su vez, vamos a ver como claramente supieron recrear los órdenes griegos, y no copiarlos. Concretamente en esta obra podemos observar la evidente falta de ornamentación del frontón que, de un modo excepcional, aparece aquí como elemento estructural.

Y, es que, los romanos en realidad tomaron la mayor parte de los elementos estructurales arquitrabados como ornamentales. No siendo este el caso, veremos que, en su gusto por el arco y las estructuras abovedadas, el arte romano va a utilizar columnas, entablamentos y frontones para enmarcar las formas curvas y, en muchos casos, éstos últimos llegarán a aparecer incluso curvados.

Además, en su replanteamiento de los órdenes griegos van a aparecer el toscano (nacido del dórico, pero ya con basa y fuste liso) y el capitel compuesto (fruto de la unión del corintio y el jónico –habiendo este último solucionado el problema de las esquinas por poseer volutas en sus cuatro lados-). Pero, por supuesto, lo que más nos va a llamar la atención es el cambio en cuanto a la finalidad de las obras. Si en Grecia se buscaba ante todo la belleza y la armonía, el hombre romano no se va a preocupar tanto por eso como por usar estas obras con un claro fin propagandístico. El hacerse  reconocer en todos los territorios conquistados, el conseguir unificar todo un imperio, ya no sólo bajo unas mismas lengua, religión y ley, sino bajo una misma cultura, en general, va a favorecer la unidad del arte y, ante todo, su tendencia al colosalismo, en base, no a agradar al público, sino a mostrar el poderío del propio emperador.

No podríamos olvidar antes de acabar el decir que, aún así, van a existir otros templos de planta circular como el de Vesta, en Roma, destacando especialmente el Panteón, quizás la obra más impresionante y espléndida del arte romano.

Enlace a otros comentarios realizados por alumnos del IES Suarez Figueroa.

Fuente: suarezdefigueroa.es

ARTE GRIEGO

1.- INTRODUCCIÓN: LOS ÓRDENES CLÁSICOS.

     El arte griego es producto de varias oleadas de pueblos indoeuropeos que, procedentes del Norte, se afincan en la Hélade, sintetizando sus aportaciones con la cultura local.
      Hacia el año 2000 a. C. se infiltran los aqueos, dueños del bronce, que suplantan a la civilización cretense. Un milenio después serán los dorios quienes arruinen a los aqueos, auxiliados por el hierro.
      De esta combinación de elementos bárbaros y autóctonos surge el “milagro griego”, que
constituye el mayor triunfo estético del mundo antiguo. Sus logros jamás se diluirán: Roma los adoptó plenamente, la imagenería cristiana copió la serena belleza de los dioses paganos, y los principios griegos fueron recuperados por el Renacimiento y el Neoclasicismo.
      Pero los griegos no sólo produjeron arte. También fijaron las coordenadas del pensamiento moderno, sentaron las bases de la democracia política y echaron los cimientos de la cultura europea. De ahí que el dramaturgo alemán Goethe dijera con profunda convicción “Que cada cual sea a su manera griego, pero que lo sea”.

IDIOSINCRASIA GRIEGA

      La arquitectura griega se forjó a partir de los órdenes clásicos, entendiendo como tales el conjunto de reglas referidas a la escala, forma y decoración del edificio. En el curso del siglo VII se van concretando los órdenes dórico y jónico, apareciendo el corintio durante la segunda mitad del siglo V a.C.
      La escala era humana, el dramaturgo Sófocles había afirmado que “numerosas son las maravillas de la naturaleza, pero de todas ellas la más grande es el hombre”. Una idea que Protágoras resumirá en la máxima “el hombre es la medida de todas las cosas” y, a su imagen y semejanza los griegos configuran el panteón olímpico, y graduaron proporcionalmente sus construcciones.

      El arte griego ha marcado la cultura occidental hasta nuestros días, siendo especialmente uno de las artes donde se exaltó la perfección del cuerpo humano y su desnudez. El concepto del equilibrio y la proporción es un elemento fundamental en la civilización griega, y asi todo es proporción en las esculturas griegas, especialmente en las dedicadas a los dioses.

      Es un arte realista en cuanto a la representación del cuerpo humano. Pero al mismo tiempo la temática esta influida por la filosofía , la religión politeista , la mitología.

Estudiaremos el Arte de las épocas arcaica, clásica y helenística.

LOS ÓRDENES CLÁSICOS:

ELEMENTOS SUSTENTANTES: BASA, COLUMNA (basa, fuste) Y CAPITEL.

2.- EL TEMPLO GRIEGO: EL PARTENÓN

EL PARTENÓN

Recreación del interior del Partenón

TIPOS DE TEMPLO SEGÚN LAS COLUMNAS QUE TENGA EN SU PARTE DELANTERA: DÍSTILO, TETRÁSTILO, HEXÁSTILO, OCTÁSTILO.

PARTES DEL TEMPLO GRIEGO

ACRÓPOLIS DE ATENAS

VÍDEO MUY COMPLETO SOBRE EL PARTENÓN: http://youtu.be/DIuerSnaREU

 Está dedicado a la diosa griega Atenea, a la que los atenienses consideraban su protectora.

ENLACE AL ARTÍCULO SOBRE EL PARTENÓN DE LA WIKIPEDIA

Enlace a los FRONTONES

Enlace a las METOPAS 

FRISO DE LAS PANATENEAS

El bajorrelieve está realizado entre el 443 y 438 a.C. en mármol blanco; hoy no se conserva la policromia que tuvo en su tiempo. El friso, de 160 metros de largo por uno de alto, recorre la parte alta de los cuatro lados del exterior del templo dórico. En él se relata un acontecimiento real, con personajes reales y con una disposición de las personas semejante a la que ocupaban en la procesión real. La procesión de las Panateneas cerraba las fiestas que se celebraban en Atenas en honor de Atenea, la diosa protectora de la ciudad. Ese día, las jóvenes atenienses llevaban en procesión el peplos (vestido amplio sin mangas) que habían tejido durante todo el año para la diosa hasta el Partenón, el templo de Atenea. 
Carros, jinetes a caballo, ancianos con flor de olivo, músicos, jóvenes con vituallas, muchachas atenienses y dioses, son elementos que aparecen en el conjunto del friso. La intervención de Fidias en el friso no está clara. Según Pausanias, Pericles encomendó a Fidias la dirección de las obras del Partenón y, aunque no hiciera la totalidad del friso, parece que sí hizo el croquis del conjunto y las figuras de los frontones. Se aprecia la mano de otros escultores del círculo de Fidias. 
La obra muestra una composicion sencilla, basada en la sucesión, en la redundancia de temas; algunas figuras se superponen cuando es necesario. Las variaciones en el ritmo y en las posiciones alejan del bajorrelieve la sensación de monotonía que una serie tan larga podría originar. No hay paisaje de fondo; las figuras se recortan sobre un fondo plano, lo que resalta los valores plásticos del relieve. 
Es un ejemplo nato del clasicismo escultórico griego; la belleza de las posturas y los gestos, el cánon clásico próximo al del Doríforo de Policleto, la ausencia de rigidez en las personas, actitudes y vestidos, dotan a la obra de la gracia, armonía y equilibrio que caracterizan a la escultura clásica griega. 
Es importante el tratamiento del vestido que permite clámides ondulantes, peplos con dobleces; la anatomía humana no se oculta bajo el peso de las telas. 
En un momento en que la democracia se ha instaurado en Atenas, es un ejemplo de la importancia de la ciudadanía. Más que representar el mito, lo que cobra importancia es la procesión de unos ciudadanos libres que participan de una fiesta de su ciudad. Si queremos buscar antecedentes a un friso de este tamaño, habría que hacerlo en el friso de los tributarios del Gran Rey en el Palacio de Persépolis. Pero la significación es totalmente distinta; en Persépolis se da un culto de sometimiento al rey déspota por parte de unos subditos; en Las Panateneas hay ciudadanos libres. Además, la variedad de la obra de Fidias hace que se supere la monotonía de las obras orientales.

EJEMPLO DE ANÁLISIS DEL PARTENÓN

3.- LA ESCULTURA GRIEGA

Los materiales más usados son la piedra (especialmente el mármol) y el bronce, ambos
siempre policromados. En las de bronce, es habitual incrustar otros sustancias, como pasta vítrea
para simular los ojos. También se realizaron las llamadas estatuas criselefantinas: una estructura de
madera es recubierta por placas de oro y de marfil. Con la excepción de la piedra, los restantes
materiales son reutilizables, por lo que son muy escasas las obras originales que han llegado hasta
nosotros. La mayoría de las esculturas más admiradas y descritas por escritores antiguos, las
conocemos por copias realizados en mármol en tiempos de los romanos.
Se realizan tanto obras exentas de bulto redondo (como las imágenes de los dioses), como
obras supeditadas a la arquitectura: los relieves de frisos y metopas, las monumentales de los
grandes frontones de los templos.
La escultura griega procede de modelos orientalizantes, especialmente egipcios, en los que
se inspira en la época arcaica. Se distanciará progresivamentede ellos, y abandonará las
convenciones y formalismos que le daban un aspecto hierático y distante.
Los griegos representarán sobre todo (aunque no únicamente) el cuerpo humano, pero
considerado como ejemplo de belleza física y de equilibrio espiritual o imperturbabilidad
(sofrosiné). En consecuencia, no se quieren representar individuos concretos: hombres y mujeres se
idealizan, se presentan armoniosos, proporcionados. Cada escultor configurará su modelo ideal
(canon) de anatomía y proporciones.
Desde fecha temprana se conquistará el volumen, la obra como objeto espacial. Se quiere
evitar un aspecto plano, y la escultura debe resultar sugerente desde distintos puntos de vista. Otro
aspecto clave es la representación del movimiento. Este se puede plasmar en potencia (la
sugerencia del movimiento que se va a realizar) y en acto.
Sólo en el período helenístico se busca la expresión de sentimientos y emociones, y en
ocasiones el realismo más exacerbado, sin desdeñar la representación de lo feo o monstruoso.
Desde la época clásica se valora de forma especial el trabajo de los grandes escultores, cuyas
obras serán encomiadas y copiadas. En la época helenística aparecerán diferentes escuelas.

CARACTERES GENERALES:

A partir del siglo VII a.n.e., la temática se centra en la figura humana.

También hace su aparición la gran escultura, campo idóneo para la plasmación del ideal antropomorfo del carácter heleno.

Tres periodos podemos distinguir en la evolución de la escultura griega:

a)     Arcaico: hasta el 480 a.n.e. (batalla de Salamina).

b)     Clásico: hasta el 313 a.n.e. (muerte de Alejandro).

c)      Helenístico: hasta el 146 a.n.e. (dominación romana).

Aunque han llegado a nuestros días muestra originales, la gran mayoría de las obras las conocemos por las copias romanas.

La rigidez y el esquematismo de la época arcaica se va perdiendo hasta que a finales del siglo IV a.n.e. se consiguen resolver los problemas de anatomía, movimiento, perspectiva, composición, expresividad, etc, logrando un altísimo nivel en las obras.

No se limita a reproducir modelos de la forma más natural y realista, sino que, en su búsqueda de prototipos ideales sobre la belleza, se realizarán cálculos numéricos y geométricos para alcanzar las proporciones perfectas.

Los relieves y esculturas de bulto redondo se pintaban de varios colores.

MANIFESTACIONES:

PERIODO ARCAICO:

Durante los siglos IX y VIII a.n.e., surgen las primeras figurillas de marfil, bronce o terracota en bulto redondo así como los primeros relieves.

Durante el siglo VII a.n.e., se avanza hacia cierto expresionismo con unas imágenes cultuales realizadas en madera (xoana xoana) con un ligero estrechamiento en la cintura, lo que recuerda al tronco de un árbol. Su hieratismo lo pone en relación con Oriente. Los conocemos por modelos realizados ya en piedra como la Dama de Auxerre de finales del siglo VII a.n.e. o la Hera de Samos de la 1ª ½ del siglo VI a.n.e.

Los juegos atléticos familiarizó al griego con la desnudez masculina y el canon de belleza por lo que se dieron a la exaltación del cuerpo humano masculino.

Los Kuroi (Kuroi) son imágenes de los atletas vencedores, de pie con los brazos estirados a lo largo del cuerpo y una de las piernas adelantadas de clara influencia egipcia. No adelantan movimiento alguno y denotan una gran inexpresividad aunque a finales del siglo VII y hasta el V a.n.e. sufrirán una importante evolución ganando en expresividad y movimiento. Kuros de Milo, Moscóforo (portador de reses).

Las Korai (Korai)  son las representantes femeninas. Casi todas las conocidas proceden de la Acrópolis de Atenas y son figuras sonrientes, siempre vestidas y con cabellos recogidos en la nuca. Ganan en naturalismo a la vez que se desarrolla el tratamiento de los cabellos y del vestido. Siempre aparecen con policromía. Koré de la acrópolis, Niké (victoria) alada de Delos.

Los relieves de ésta época se utilizan como decoración templaria. Se conservan los del primer Hecatompedon del Partenón, del templo de Prinias en Creta, el de Artemisa en Corfú (Medusa flanqueada por dos panteras inmóviles) y el tesoro de los Sifnios en Delfos.

PERIODO CLÁSICO:

SIGLO V A.N.E.:

Los escultores de Kuroi y Korai se esfuerzan en representar las formas anatómicas de una forma realista, eliminando el hieratismo y la rigidez propias de la época arcaica. Tras este proceso evolutivo, las esculturas del primer tercio del este siglo representan la transición hacia el clasicismo. Es conocida como la etapa del Estilo Severo que durará hasta la época de Fidias. Se caracteriza por la idealización de la figura humana, la búsqueda del equilibrio sereno y la dignidad en cuanto a las representaciones de los dioses.

Artistas de este periodo son Pitágoras de Samos, Calamis, Kritios, Mirón y Policleto.

De Pitágoras de Samos es con toda probabilidad el Auriga de Delfos, en bronce y que representa al conductor victorioso de una biga o una cuadriga. Formaba parte de un grupo perdido. Mantiene una cierta rigidez arcaica.

A Kritios se le atribuye el grupo de los Tiranicidas y el efebo de la Acrópolis, rompiendo con la clásica frontalidad arcaica.

Anónimos son el Trono Ludovisi, con la representación del nacimiento de Afrodita y pionera en la llamada técnica de los paños mojados (transparencia anatómica) y el Trono de Boston.

Los frontones del templo de Afaia en Egina suponen un gran avance la representación del desnuco aunque se mantiene todavía la sonrisa arcaica.

Los frontones del templo de Zeus en Olimpia con la centauromaquia es de gran solemnidad.

De Mirón nos han llegado dos obras: el Discóbolo y el Grupo de Palas Atenea y Marsias. Se interesa por el estudio del movimiento del cuerpo humano no dudando en situar sus figuras en posturas violentas. Es de un acusado naturalismo aunque se mantiene el rostro y el pelo arcaicos.

Policleto, era broncista. Se preocupa por la consecución del canon ideal del hombre esculpiendo figuras armoniosas. Instauró el canon de 7 cabezas (el cuerpo humano perfecto es la medida de 7 cabezas). De sus obras destacamos el Doríforo (portados de lanza)y el Diadumedos (atleta atándose una cinta a la cabeza). El canon de la mujer lo plasma en su obra Amazona herida realizando esta obra en una competición en la que ganó a Fradmon, Crésilas y Fidias.

Ya en época plenamente clásica, destacamos la figura de Fidias, escultor que consiguió resolver la manera de decorar los vértices bajos de los frontones, el giro de los cuerpos, etc. Sin embargo, lo realmente innovador fue el tratamiento dado a las vestiduras. Los abundantes y sinuosos pliegues de los vestidos se pegan al cuerpo pero no impiden llevar a cabo un profundo estudio de la anatomía de la figura. Es una excusa para conseguir un mayor naturalismo antropomórfico.

Pericles le encargó la dirección de los trabaos en el Partenón. En su frontón oriental, narra el nacimiento de Palas Atenea de la cabeza de Zeus. Son esculturas no aisladas, sino concebidas en bloque. El frontón occidental lo ocupa la lucha entre Atenea y Poseidón por el dominio de la ciudad de Atenas con gran estudio del movimiento.

El friso corrido representa, con viva policromía, la procesión de las Panateneas y será en las metopas donde el artista introduce la cooperación de otros en los temas. Se relatan la centauromaquia, la gigantomaquia, la amazonomaquia y la guerra de Troya. Son figuras de relieve bastante abultado sobre fondo liso.

Por copias romanas conocemos la estatua de Atenea Prómacos con casco y lanza de 15 metros altura; la Atenea Lemnia, en bronce y ataviada con un simple peplo y la Atenea Partenos, estatua crisoelefantina (marfil y oro) así como una estatua de Zeus de Olimpia.

Coetáneo de Fidias es Calímacos, discípulo de éste, al que se le han atribuido las cariátides del Erecteion y Alcamenes con el Ares Borghese.

SIGLO IV A.N.E.:

Las guerras del Peloponeso entre Esparta y Atenas produjo la derrota de ésta última y una consiguiente transformación en el arte. La idealización y la serenidad dará paso ahora por una necesidad de desvelar los sentimientos y estados de ánimo de las figuras. Surge así una escultura mucho más expresiva y acentuada.

Nace el retrato de tipo realista en contraposición al del arqueotipado del siglo V a.n.e. y una gran diversidad en las obras.

Praxíteles se esforzará por influir un aliento psicológico a sus obras, dotándolas de una profunda melancolía. Prefiere cuerpos de adolescentes, ligeramente arqueados buscando apoyarse en algo (curva praxiteliana). Destacamos el Hermes de Olimpia, el Sátiro escanciados, la Afrodita de Gnido y, sobre todo, su gran obra, el Apolo Sauróctono que representa a Apolo matando a una lagartija.

Scopas de Paros intenta igualmente revelar los estados de ánimo aunque con un carácter mucho más patético y atormentado. Ménade.

Lisipo representa la transición entre los clásico y el helenismo (Apoxiomeno).

PERIODO HELENÍSTICO:

Las conquistas de Alejandro en el siglo IV a.n.e. abrieron el mundo a la cultura helena; ahora bien, a finales de la centuria se produjo un cambio brusco. El arte que había perseguido el equilibrio entre la realidad y la belleza, entra en una pausado declive.

La escultura tiende ahora hacia la orientalización y el sincretismo (Venus de Milo); se acentúan también los movimientos y temas fantásticos (Sátiro Barberini); también se introducen escenas de la vida cotidiana (Espinario, Niño de la Oca) o retratos mucho más realistas representando la vejez y la fealdad (Demóstenes, Diógenes, etc...).

Cuatro escuelas destacamos de éste periodo:

a)     Pérgamo: Epigonos: galos invasores (Galo moribundo y Galo suicidándose). Altar de Zeus.

b)     Rodas: Coloso realizado por Cares de Lindos. Victoria de Samotracia de Pitócritos Lacoonte y sus hijos obra de Agesandro, Atenodoro y Polidoro).

c)      Tralles: Toro Farnesio de Taurisco y Apolonio de Tralles.

d)     Alejandría: Estatuas de enanos, negros, escenas costumbristas, etc.

DOS ESQUEMAS A MODO DE RESUMEN:

TEATRO GRIEGO: http://youtu.be/tFn8tdy4zoQ

ARTE EGIPCIO

       INTRODUCCIÓN

      Heródoto definió a Egipto como “un don del Nilo”. Ciertamente, si observamos un mapa de esta zona, el desierto se extiende a una margen y otra del Nilo; y, si existe vida en Egipto, es gracia a las benéficas aguas de este río que corre de Sur a Norte y viene a constituir un fértil oasis de unos mil kilómetros de longitud por unos diez o veinte kilómetros de ancho.

      Anualmente, el río experimenta unas crecidas de junio a octubre y cuando se retiraban las aguas de la inundación, las tierras quedaban cubiertas de una capa de limo de una gran fertilidad, lo que constituía la base de su riqueza agrícola, ya que podían darse incluso varias cosechas al año.

      Egipto es también obra de los hombres. Para poder controlar las crecidas y aprovechar el limo de sus aguas, fue necesaria una organización colectiva que desembocara en la constitución de un Estado unido y obediente a una fuerte autoridad, el faraón, que tendrá poderes absolutos. Pese a esta tendencia a la unidad, el hecho de que el valle del Nilo tuviese tan extraordinaria longitud, contribuyó al afianzamiento de particularidades entre los diferentes y distantes núcleos de población, lo que dificultaba el poder único y, por ello, en diversas ocasiones el Imperio Egipcio quedó fragmentado.

VIDEO DOCUMENTAL SOBRE EGIPTO: http://youtu.be/oVQVhTqjSRc

      -Historia.-

      En este marco florecen desde pronto importantes culturas, pero serán un poco posteriores a las primeras mesopotámicas.

      En el período neolítico (V y IV milenio a.C.), Egipto estaba dividido en dos unidades culturales: Bajo Egipto (al norte, el delta del Nilo, conocido también como el Egipto triangular donde crece el papiro) y Alto Egipto (al sur). Cada una de estas regiones estaba gobernada por un rey. El rey del Bajo Egipto llevaba sobre su cabeza una corona troncocónica baja de color rojo y el del Alto Egipto representaba su poder con una tiara alta de color blanco. Hacia el 3000 a.C. el legendario rey Menes (Narmer) unificó estos dos reinos inaugurando así la etapa histórica o período dinástico, tras la cual los faraones podrán llevar cualquiera de las dos coronas.

La etapa histórica la podemos dividir en tres grandes Imperios:

a)    Imperio Antiguo, que abarca desde la III a la VI Dinastía, cuya capital estuvo en Menfis. Es la época de las grandes construcciones de pirámides, la escalonada de Sakara y la del grupo de Gizeh (Keops, Kefrén y Mikerinos). A continuación hay un período intermedio que va desde la Dinastía VII a la X.

b)    Imperio Medio (desde la XI a la XVII Dinastía) tiene la capital en Tebas, que es cuando se da la gran expansión territorial de la mano de Sesostris III. El II período intermedio viene provocado por la invasión que realizan los hicsos de Egipto, donde entra por primera vez el carro de combate tirado por caballos.

c)    Imperio Nuevo, que dura desde la XVIII a la XX Dinastía, continuando la capital en Tebas, salvo en el reinado de Amenofis IV y Akenaton que la trasladó a Tell-el-Amarna. En esta época se crea un importante ejército, convirtiéndose los faraones en grandes conquistadores, como sucede en los casos de Tutmosis III y Ramsés II.

      Finalmente, Egipto será invadido por diversos pueblos (asirios, persas) y, más tarde, será incorporado por Alejandro Magno al Imperio Macedónico (siglo IV a.C.). En el 30 a.C. se inicia el dominio romano, perdiendo Egipto, definitivamente, su independencia política y cultural.

Bajo el punto de vista político, Egipto era una monarquía de carácter teocrático, en la que la máxima autoridad civil y religiosa era el faraón. El faraón era la reencarnación de Horus e hijo de Ra. Era, por tanto, un dios al que se le debía veneración y pasaba a la eternidad como un ser sobrehumano. La divinidad oficial la adquiría en la ceremonia de coronación. El faraón era propietario de todas las tierras y riquezas, de ahí que desde el palacio real se administrara y regulara la vida egipcia: evaluación de las cosechas, impuestos, construcciones, etc. Así mismo, era el legislador supremo, juez, jefe del ejército y sumo sacerdote. Vivía aislado en su palacio y raras veces se dejaba contemplar por su pueblo.

      Esta centralización tan enorme de poderes y autoridad se deriva de una necesaria coordinación de esfuerzos para regular las crecidas del Nilo mediante una infraestructura hidráulica de canales, acequia, diques, etc., que no sólo controlara la inundación, sino que mantuviese almacenada el agua el mayor tiempo posible, lo cual sólo se podía controlar desde el Estado, nunca individualmente. Está comprobado que los períodos de escasez y hambre en Egipto coinciden con los períodos de inestabilidad política o debilidad del poder faraónico (períodos intermedios), al no haberse realizado correctamente las obras de control del agua.

      La administración pública estaba dirigida por un delegado del rey, el visir, que, según textos de la época debía ser sabio entre los sabios y representar las orejas y los ojos del soberano. Entre sus obligaciones estaba la de supervisar los trabajos hidráulicos y agrícolas. Sin embargo, lo que más contribuyó a que el Estado controlara eficazmente los recursos del país, fue la división del territorio en nomos o provincias gobernadas por los nomarcas, los cuales debían informar al visir de toda la actividad laboral y los recursos de su nomo.

      -Arte.-

      La religión y la vida de ultratumba (mundo de los muertos) constituían el eje de la vida egipcia y por tanto el arte giraba en torno a ellas, siendo por ello el templo y la tumba los dos monumentos que más nos importan. 

 1. ARQUITECTURA: LA TUMBA Y EL TEMPLO

La arquitectura egipcia, por tanto, se basará en el culto a los muertos. Posee las siguientes características:

En ella se acusa mucho la influencia del medio en el que se desarrolla. Características principales:

·         Es una arquitectura horizontal .

·         Es una arquitectura arquitrabada; aunque conocen la bóveda y el arco no lo utilizan.

·        Es una arquitectura realizada en piedra, que daba una gran consistencia a los edificios que ha llegado hasta nuestros días.

·     En un primer momento se usaron la madera, el adobe y el ladrillo, pero dejan de usarse como material principal ya en el Imperio Antiguo.

·         Es una arquitectura monumental.

·         Utiliza unos soportes que son los que nos definen el arte egipcio:

o    El muro: tiende a tener forma de talud, suele estar ligeramente inclinado y generalmente termina con una moldura de forma convexa llamada gola.

o    El pilar: no es el soporte más usado, sólo para reforzar algunos muros, especialmente en el Imperio Antiguo y por imitación en el Nuevo. El pilar de planta rectangular es el más utilizado, a veces está acanalado. Sin embargo, el más importante es el pilar osiriaco, que aunque aparece en el Imperio Medio es característico del Nuevo. Se trata de un pilar de sección cuadrada que en una de sus caras lleva adosada una estatua de Osiris con la cara del faraón.

o    La columna: es el soporte más característico. Capiteles: Lotiforme, palmiforme, papiriforme, hathórico y compuesto egipcio.

Existieron tres tipologías: la mastaba, la pirámide (escalonada, acodada y regular) y el templo.

1) La mastaba tiene una capilla para ofrendas, en la que también está la estela y que se llama capilla de culto. Detrás encontramos otra capilla llamada Serdab, donde está el doble del difunto. Estas dos cámaras quedan aisladas la una de la otra excepto por un tragaluz que los une. La cámara donde está el sarcófago está bajo tierra. Es imposible llegar a él debido a que tapan la entrada. A veces en la entrada de la cámara se han encontrado cabezas representativas.

2 )Las pirámides de Gizeh son un conjunto de tres pirámides, de las cuales nos encontramos en primer lugar a la de Mikerinos (de 65.5 metros de altura); en el centro, la pirámide de Kefrén de 143.5 metros de altura; y al fondo, la gran pirámide de Keops, que se levanta sobre un cuadrado de 230.35 metros de lado y alcanza los 146.6 metros de altura. Están definidas por cuatro triángulos isósceles que se inclinas 51.52 y en su intersección determinan los cuatro puntos cardinales.

3) El templo era “la casa de piedra eterna” que los faraones construían para sus divinos padres: destacan los de Karnak y Luxor en Tebas. Los templos también podían ser excavados en la montaña como el de Abu Simbel con enormes esculturas (Ramsés II es una de ellas); estos templos son llamados speos. Por el contrario, si son semiexcavados en la roca o la montaña se denominan semiespeos, como el templo funerario de la reina Hatsepsut en Deir el-Bahari, próximo a Tebas. Los templos tenían la siguiente distribución:

a)    Avenida de las esfinges antecediendo la entrada al templo.

b)    Obelisco (pináculo de enorme altura que está junto a la entrada del templo.

c)    Pilono, que es la entrada al templo propiamente dicha.

d)    Sala hiptera, que es una gran sala con columnas donde podían entrar todos los fieles.

e)    Sala hipóstila, que es más pequeña que la anterior, estando reservada sólo para el acceso de los sacerdotes.

f)     Cella, que es el espacio intermedio entre la sala reservada para los sacerdotes y la reservada para el faraón.

g)    Santuario, que es la sala del faraón.

Conforme vamos avanzando por el templo, las salas son más pequeñas, recónditas y tienen menos luz, para darle así un aire de espiritualidad a las salas más importantes.

Como vemos, con la majestuosidad y la magnitud de estas construcciones la vida de ultratumba y el culto a los muertos alcanzó un gran desarrollo en Egipto. El egipcio creía en la dualidad del cuerpo (ka) y alma (ba), siendo ésta última inmortal; pero, para que pudiera vivir eternamente, necesitaba un apoyo material que podía ser el propio cadáver momificado o una estatua que representara los rasgos del difunto, su doble, es decir, el Ka o reflejo inmaterial del cuerpo. Por este motivo adquirió una gran importancia el embalsamamiento y momificación de cadáveres, así como la práctica de llevar alimentos o representarlos en las tumbas.

Normalmente, junto al faraón se introducen en el centro de la pirámide (lugar justo del sepulcro del faraón, al haber sido éste en vida su lugar en la Tierra y en la cotidianeidad egipcia), alimentos, doncellas y ofrendas en general para que en la vida futura se sepa que fue divino en la Tierra

 

Partes del templo exento: 1. Avenida de esfinges; 2. Pilonos adornados con banderolas; 3. Patio; 4-6. Salas hipóstilas; 5. Cella o Capilla del dios; 7. Tronera para iluminación y ventilación.

Speo o espeo: templo de carácter funerario subterráneo, generalmente excavado en la roca.

TRES TIPOS DE TEMPLOS: Exento, espeo y semiespeo.

Mastaba, pirámide escalonada, pirámide de Gizeh e hipogeo (capilla funeraria subterránea)

No es lo mismo hipogeo que speo: hipogeo es una tumba y speo es un templo aunque tenga también carácter funerario.

Enlaces a imágenes de arquitectura egipcia: http://arte-historia.com/egipto-arte-y-arquitectura

http://arte-historia.com/monumentos-y-planos-de-arquitectura-egipcia

2.-FORMAS Y CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA Y LA PINTURA

Escultura y relieve

La escultura egipcia se manifiesta en dos tipologías: escultura de bulto y de relieve, y en ambas se darán prácticamente las mismas características. La escultura egipcia se utilizaba para reforzar la idea de eternidad del faraón o el dios, como una manera de garantizar que perviviría más allá de la muerte.

Generalmente estaban ubicadas en las tumbas, unidad a esa idea de relacionar la escultura con el rito.

Las características generales son las siguientes:

·         Hieratismo, es decir, las figuras son muy estáticas. Esto es una manera de transmitir la permanencia

·         Ley de la frontalidad

·         Canon de los doce puños.

·         Los materiales más normales son el granito, el basalto y la caliza. También se utilizaba la madera o, si son pequeñas, otros materiales nobles, como el marfil. Para el faraón se utilizarán los materiales más nobles incluso con incrustaciones.

·         Idealismo, es decir, se oculta los defectos y se huye de la naturalización, excepto en etapas muy concretas como la de Amenofis IV

·         Actitud de calma y equilibrio. Esto también está relacionado con el hieratismo y nos llevaría a una cierta monotonía

·         Pueden estar decorados con jeroglíficos, sobretodo en las vestiduras o en la base sobre la que se apoyan, lo que en muchas ocasiones permite identificar a la figura.

·         Los relieves suelen ser bajorrelieves, que suelen estar siempre policromados. Los relieves que decoran las paredes de los templos y las tumbas mantienen la ley de la frontalidad, apareciendo la figura de perfil, excepto los ojos  y el torso, que aparecen de frente

·         La escultura de bulto se puede dividir en tres grupos: escultura del faraón, escultura cortesana y escultura popular. Entre las dos primeras las diferencias son mínimas, pero la popular sí es muy diferente.

VIDEO SOBRE LA ESCULTURA:

http://youtu.be/jiK5lUcHXlM

Las esculturas también serán muy numerosas debido a su finalidad de que el Ka o doble pudiese descansar. Por tanto, la finalidad de las esculturas egipcias no es ser contemplada, por lo que serán de una gran uniformidad todas ellas.

Las esculturas de los faraones y dioses están idealizadas  o ennoblecidas y suelen ser de mayor tamaño que las del resto de los mortales. Sin embargo, cuando se representan personas del pueblo, son mucho más realistas y naturalistas, así podemos observar el “Escriba sentado” o “el Alcalde del Pueblo”. Por el contrario, tenemos diferentes esculturas monumentales de Ramsés II y el busto de Nefertiti (mujer de Akenaton), a partir del cual se empieza a tener un mayor realismo a la hora de representar a un miembro de la familia real. Suele caer mucho la Triada de Mikerinos, que aparece entre la diosa Hathor y el nomo de Kynópolis.

Pintura

La pintura mural egipcia está sometida a las mismas reglas y convencionalismos del relieve. Las figuras carecen de profundidad y volumen, las formas son planas y la única perspectiva que existe es la jerárquica, que aumenta o disminuye el tamaño de los personajes según su importancia social. Todos los objetos están colocados en un único plano, paralelo al espectador, para poder apreciar bien los detalles.

Predominan los colores alegres y cálidos (rojo y amarillo). El color es plano y sin matices. Las figuras están dibujadas de modo muy preciso, a veces contorneadas en negro

La pintura mural al fresco tenía la misma función que el relieve y servía para decorar las paredes de las tumbas con escenas de la vida cotidiana egipcia: trabajos agrícolas, caza y pesca, banquetes, bailes etc. Son muy interesantes las pinturas de las mastabas del Imperio Antiguo, como la de Ti en Saqqara, destacando por su naturalidad las famosas Ocas de Méidun.

La pintura reemplazó a los relieves en el Imperio Nuevo en la decoración de los hipogeos de la necrópolis del valle de los Reyes en Tebas.

La pintura se usó también en la decoración de sarcófagos y la ilustración de papiros como el Libro de los muertos.

En las artes aplicadas, la cerámica, el vidrio, la orfebrería, la ebanistería y la joyería produjeron en Egipto objetos de notable nivel técnico y calidad. Se empleaban ricos materiales- maderas de cedro, oro, plata, lapislázuli, alabastro, piedras preciosas etc- Los objetos hallados unen belleza y utilidad como los del ajuar funerario intacto de la Tumba de Tutankhamón, de finales de la Dinastía XVIII, que se encuentra en el Museo Egipcio del El Cairo, entre los que destaca la Máscara de oro.


RESUMEN A MODO DE MAPA CONCEPTUAL: