Enlace a archivos en formato PDF de estudios sobre la iconografía y la iconología en la HISTORIA DEL ARTE:
http://pendientedemigracion.ucm.es/centros/cont/descargas/documento10868.pdf
Goya y la iconografía barroca: http://dspace.uah.es/dspace/bitstream/handle/10017/7366/Goya%20iconograf%C3%ADa.pdf?sequence=1
ICONOGRAFÍA Y MITOLOGÍA:
http://gradohistoriaarte.files.wordpress.com/2012/08/iconografc3ada-y-mitologc3ada.pdf
domingo, 26 de mayo de 2013
ARTE DEL SIGLO XX
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lunes, 20 de mayo de 2013
miércoles, 8 de mayo de 2013
ARTE DEL SIGLO XIX
ARQUITECTURA HISTORICISTA
~- También es conocida como época de los “revivals”.
~- Es, en esencia, un movimiento de carácter romántico que pretende resucitar e imitar las formas constructivas y estilos del pasado, especialmente los medievales.
~- Varios factores contribuyeron a su implantación:
~- La reacción romántica contra el frío neoclasicismo.
~- El ansia de encontrar en el pasado las raíces de la propia personalidad en una época de profundo desequilibrio histórico.
~- El rechazo de la nueva técnica deshumanizadora.
~- Motivos políticos de exaltación nacionalista que pretendían buscar y resucitar los orígenes de la propia civilización.
~- Existen notables diferencias entre la arquitectura historicista de las distintas naciones: su importancia no alcanzó la misma dimensión en todas ellas, ni tampoco resucitaron los mismos estilos. En generarlos más empleados fueron los de origen medieval, especialmente el gótico, pero también se levantan construcciones neoegipcias, neohindúes, neochinas, neomudéjares, etc.
~- Esta arquitectura historicista no se aleja de la arquitectura de los nuevos materiales: hubo construcciones que utilizaron el hierro y el vidrio con formas arquitectónicas del pasado, Y, por otra parte, hubo arquitectos historicistas que con sus investigaciones prepararon el camino de la arquitectura moderna.
~- El historicismo emplea uno u otro estilo según la función del edificio. Esto implicaba pensar en la forma como algo subordinado a la función, lo cual prepara el advenimiento de las nuevas concepciones arquitectónicas.
~- Este historicismo también se aprecia en la literatura: destacan autores como Walter Scott, Víctor Hugo, Gustavo Adolfo Bécquer, etc.
==== Francia ====
EUGENIO VIOLLET LE DUC (1814-1879). Gran estudioso del estilo gótico.
Recomienda la utilización del hierro en estructuras góticas muy aptas, según él, para los nuevos edificios necesarios para la sociedad industrial.
Restaurador de edificios medievales: catedrales de Amiens, Vezelay, Santa Capilla de París, etc.
También se construyen en Francia edificios neobizantinos como el SACRE COEUR de París.
==== Inglaterra ====
Fue donde más aceptación tuvo el gótico que fue considerado como estilo nacional: en 1818 se llegó a promulgar una ley sobre la obligatoriedad de utilizar el gótico perpendicular para todas las nuevas iglesias que se construyeran.
BARRY (1795-1863) y PUGIN (1812-1852). Ej.: Reconstrucción del Parlamento de Londres.
RUSKIN (1818-1900). Gran teórico del neogoticismo: "Las siete lámparas de la arquitectura''.
SCOTT (1811-1878). Ej.: Monumento al príncipe Alberto. Kensington Park. Londres.
También se construyen edificios neohindúes como ejemplo de la influencia colonial destacando entre ellos el Pabellón Real de Brighton (1818) por J. NASH.
==== España ====
En esta época en España se produce una total desorientación: se combinan formas clásicas con elementos medievales y renacentistas.
Se resucitan, principalmente, el plateresco, el mudéjar y el gótico.
Destacan varios edificios importantes:
Escuelas Aguirre. Madrid. RODRÍGUEZ AYUSO. (Neomudéjar).
Banco de España. Madrid. E. ADARO. (Neorrenacentista).
Monumento a Alfonso XII. Parque del Retiro. Madrid.
Catedral de La Almudena. Madrid. Iniciada por el Marqués de Cubas y continuada CHUECA GOITIA.
Iglesia de San Ginés. Madrid.
Iglesia de San Jerónimo el Real. Madrid. NARCISO PASCUAL Y COLOMER.
Plaza de España. Sevilla.
ARQUITECTURA DEL HIERRO
- Los historicismos emplean el hierro aunque no lo suelen dejar visto
· Primeras excepciones: Teatro francés de París
- A principios del siglo XIX aumenta la población y las ciudades: se necesita construir rápido
y barato
· Se comienza a utilizar el hierro en grandes obras públicas (libres de condicionantes)
-Puente de Coalbrookdale, Puente de las Artes en parís y Puente de Austerlitz
- Disociación entre artista e ingeniero:
· El artista o arquitecto se ocupa de crear belleza más que de la función
· El ingeniero se ocupa de solucionar problemas funcionales pero no de la estética
- Exposiciones Universales: espacios de experimentación
· Celebradas para exhibir los progresos industriales, económicos y artísticos
· Necesidad de gran amplitud y diafanidad
· PAXTON: Palacio de Cristal de Londres
- aplicación a gran escala de elementos prefabricados y modulares
· CONTAMIN Y DUTERT: Galería de las máquinas en París
GUSTAV EIFFEL
- Especialista en construcción de puentes, estaciones,...
· Puente sobre el Duero, Pont Garabit
- Torre Eiffel: símbolo de la arquitectura de hierro
· construida para conmemorar el centenario de la revolución 1889
· alcanza los 300 m. a base de piezas prefabricadas de hierro
· no guiada por la idea de utilidad: uso del hierro como elemento decorativo.
MODERNISMO (1890 – 1910)
- WILLIAM MORRIS y el Movimiento Arts & Crafts como antecedente
· Diseño de productos artesanales introduce las formas modernistas
- · No toman sus ideas sociales
- Raíces románticas:
· interés por el retorno al pasado (sin ser una copia como los historicismos)
· fantasía creativa, elegancia
· gusto por la línea curva y sinuosidad típica de simbolistas
- Diferentes denominaciones en cada país: “Liberty” en Italia, “Modern Style” en Inglaterra,
“Art Nouveau” en Francia, “Sezesionstil” en Alemania, “Modernismo” en España
- Características comunes:
· Rechazo a la fealdad de la arquitectura industrial
· Cierto medievalismo y valoración del trabajo artesanal (Morris)
· Inspiración en las formas y procesos de la naturaleza más que en estilos artisticos del
pasado: predominio de línea curva y arabesco, aspecto de ser vivo
· Trata de conseguir la unión entre la vida y el arte (la belleza y la vida cotidiana) que la
industrialización había perdido
- los artistas diseñan todos los objetos del edificio y su decoración
· Deseo de que los elementos estructurales queden a la vista y funcionen como partes
esenciales del sistema decorativo (“sinceridad” en el empleo de los materiales)
- Dos líneas básicas en el modernismo:
· Francia, Bélgica y España: “Modernismo Ondulante”
- utilización de motivos históricos (gótico)
- vitalidad y carácter plástico de los elementos decorativos
· Inglaterra y Austria: “Modernismo Geométrico”
- concepción más severa, línea recta, planimétrica, ornamentos geométricos
- de aquí parten los diseñadores del funcionalismo moderno.
España (Modernismo Ondulante)
- Burguesía industrial catalana, culta y nacionalista va a impulsar el modernismo
- Coincide con la Renaixença: ansias de modernidad y de mostrar riqueza
ANTONIO GAUDÍ
- Concilia el rigor funcional y estética cercana al modernismo
- De familia de forjadores: gran calidad de los detalles decorativos
- Poco a poco abandona el historicismo para buscar un estilo personal de formas vegetales
y animales
- Originalidad de soluciones estructurales: aspecto casi surrealista en algunos casos
- Riqueza decorativa: variedad de materiales, diseño de todos los elementos
- Obras: Casa Milá, Casa Batlló, Sagrada Familia, Palacio y Parque Güell.
ESCUELA DE CHICAGO
- Cuna de la arquitectura funcional y racionalista
- No tiene los condicionantes espaciales y estéticos del viejo continente
- Urbanismo puede ser planificado racionalmente: ciudades de nueva creación
- 1871: incendio destruye la ciudad mientras experimenta un auge económico y comercial
· el incendio lleva a los arquitectos a abandonar la madera y optar por nuevos materiales
· gran demanda de oficinas, almacenes, viviendas, hoteles,...
- los arquitectos recurren a las técnicas de los puentes y estaciones
· la especulación del suelo edificable va a obligar a construir en altura
- nacen los rascacielos
- Condicionantes que permiten la aparición del rascacielos:
· necesidad de aprovechar al máximo los solares
· descubrimiento del ascensor
· utilización de armaduras metálicas permiten superponer muchos pisos.
LOUIS SULLIVAN (Y DANKMAR ADLER)
- Concilian el rigor funcional y estética cercana al modernismo
- Leitmotiv: “La forma sigue a la función”
- Auditorium Building de Chicago: rigor cúbico exterior pero rica decoración interior
- Almacenes Carson, Pirie & Scott: racionalismo hasta últimas consecuencias
- Wainwright Building, Guaranty Building: empuje ascensional y verticalidad.
WILLIAM LE BARON JENNEY
- Cabeza de la escuela y constructor de los primeros rascacielos
- Principal aportación: sustituir los muros exteriores por “osatura” de columnas de hierro
· permite abrir grandes ventanales en las fachadas
- Leiter Buiding, Home Insurance Company Building.
lunes, 6 de mayo de 2013
ARTE NEOCLÁSICO
ARQUITECTURA
La arquitectura neoclásica reproduce las formas generadas por los griegos y los romanos, mas no tarda en suprimir toda referencia a las medidas del cuerpo, prefiriendo el nuevo sistema métrico adoptado por los franceses y favoreciendo la monumentalidad
Usa los símbolos y motivos redescubierto en los muebles y edificios de Pompeya y Herculano (hallazgos arqueológicos que marcan el comienzo del neoclasicismo dando lugar a nuevas formas, el génesis del arte neoclásico), copia fachadas con frontones griegos, emplea dos famosas órdenes de la arquitectura clásica griega: dórico (columnas estriadas y capitel sin molduras), y el jónico (columnas esbeltas, apoyadas sobre basa, fuste escalonado, capitel decorado con volutas, arquitrabe de tres franjas y friso libre de decoración), además prefiere el mármol blanco; de los romanos toma las espaciosas cúpulas y bóvedas.
Tras el Barroco y el Rococó, el neoclasicismo representa una simplificación: las líneas rectas dominan sobre las curvas, existen menos contrastes de volúmenes, menos adornos, dinteles y columnas reemplazan los arcos. Los frontones triangulares sustituyen los circulares y las balaustradas reaparecen sobre los edificios. Vemos en definitiva formas más sencillas y simétricas, hay mayor racionalidad compositiva, sobriedad decorativa y orden, que concuerda a la perfección con los valores de la burguesía y las necesidades del despotismo ilustrado.
Las características más destacables en la construcción son:
-Cornisas y frisos con metopas y triglifos
-Grecas
-Guirnaldas vegetales: flores, frutas...
-Palmas y laureles
Y las edificaciones más dadas:
-Columnas conmemorativas
-Templos
-Arcos del triunfo
-Propileos
FIGURAS IMPORTANTES DEL NEOCLÁSICO ESPAÑOL.
Juan de Villanueva (1739-1811), Carlos III lo nombró arquitecto del
príncipe y los infantes, trabajando en exclusiva para la casa real. Algunas
de sus obras son:
La puerta del jardín botánico: está formada por un arco de medio punto y
coronado por un frontón y de dos postigos adintelados uno a cada lado.
La fachada principal del Museo del Prado: tiene en su centro, un pórtico
resaltado con columnas gigantescas, coronado por un gran ático.
Las columnas son toscanas, similares a las dóricas pero con basa y fuste sin
estrías.
PINTURA BARROCA ESPAÑOLA
Enlace a un resumen esquematizado: http://laclasedearte.files.wordpress.com/2009/03/la-pintura-barroca-espac3b1ola-curso-2011-12.pdf
domingo, 28 de abril de 2013
ESCULTURA BARROCA EN ESPAÑA
Escultura Barroca en España
La religión determinó muchas de las características del arte barroco. La iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes y la Contrarreforma, que quería combatir la difusión del protestantismo, contribuyó a la formación de un arte emocional, dramático y naturalista, con un claro sentido de propaganda de la fe. La temática tratada, por tanto, será casi exclusivamente religiosa.
En España predominan las imágenes religiosas talladas en madera (imaginería) que posteriormente se policroman. Entre los trabajos más destacados están los retablos para altares de iglesias donde aparecen figuras exentas y en bajorrelieve. Los temas mitológicos y profanos están ausentes y sólo en el ámbito de la corte se da escultura monumental.
Las características generales son: sentido de movimiento, energía, tensión, composición asimétrica con predominio de las diagonales y los escorzos, fuertes contrastes de luces y sombras que realzan los efectos escenográficos y el naturalismo.
Las figuras no son simples estereotipos, sino que se presentan de forma individualizada, con personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones reflejadas en los rostros de los personajes.
Podemos hablar de la existencia de dos grandes escuelas: la castellana y la andaluza.
Escultura Barroca: la Escuela Castellana
Centrada en Valladolid y Madrid, presenta un realismo exagerado, patético, lleno de dolor y sangre, con un profundo dinamismo y unos rostros de gran expresión, pero sin caer en vulgaridades.
Gregorio Fernández (1576-1639)
De origen gallego, se instaló en Valladolid donde creó un taller con numerosos seguidores. A través de la anatomía intenta revelar la vida interior de sus personajes. Las cabezas son enormemente expresivas. Los ropajes, de formas quebradas y ricas en claroscuro, intensifican su expresión.
En la larga serie de Cristos Yacentes se aprecia la evolución de su estilo, transformando las dulces formas manieristas en otras más naturalistas. Ejemplo, El Cristo Yacente del Pardo.
El Cristo de la Luz de la capilla de la Universidad de Valladolid muestra ya un gran realismo dramático.
El Cristo de la Luz de la capilla de la Universidad de Valladolid muestra ya un gran realismo dramático.
Realizó Vírgenes Dolorosas y también trató el tema de la Inmaculada, como las que realizó para San Francisco de Valladolid o la de San Esteban de Salamanca.
Trabajó en grandes retablos que suponen la ejecución de numerosas estatuas y relieves, como el Retablo Mayor de la Iglesia de San Miguel de Vitoria o el retablo del Convento de las Huelgas en Valladolid.
Impulsó el género procesional con varios grupos para los Pasos de Semana Santa. En ellos la composición intenta conjugar las actitudes de las diferentes figuras, logrando atrevidas visuales de escorzo y de abajo a arriba. Ejemplos: el paso Tengo Sed o el del Descendimiento.
Escultura Barroca: la Escuela Andaluza
Se extiende por Sevilla, Granada y Málaga. Huye del realismo exagerado buscando la belleza sin rehusar del contenido espiritual. El realismo se idealiza predominando la serenidad y las imágenes bellas y equilibradas con un modelado suave.
Juan Martínez Montañés (1568-1694)
Es el creador de la escuela sevillana. Su producción es casi toda religiosa. Su talla está bien modelada, sus ropajes voluminosos dan grandiosidad a la imagen y concede gran importancia a la anatomía.
La obra que revela su verdadera personalidad es El Cristo de la Clemencia en la catedral de Sevilla. Sin excesivo dramatismo, con poca sangre y aún vivo, mira hacia abajo en actitud de conversar con el devoto. Responde al crucifijo con dos clavos en los pies, pero para evitar demasiada simetría, las piernas aparecen cruzadas.
Ejecutó obras tan importantes como el Retablo de Santo Domingo, de la que sólo se conserva la estatua de Santo Domingo, que se halla en éxtasis, aunque la expresión sea de calma, de oración interior.
En el Retablo de San Isidoro del Campo, de Santípoce, en Sevilla, destaca la figura de San Jerónimo, que está visto en todo su volumen porque saldría en procesión. Su expresión llega al máximo.
Crea el tipo de Niño Jesús desnudo, delicioso y bello. El de la Catedral de Sevilla desprende ternura, colocado sobre un cojín, extiende sus brazos demandando un abrazo. Supone un acercamiento a los afectos humanos.
La Inmaculada ocupa un lugar especial en su iconografía. Para la catedral de Sevilla hace una Virgen que es una mujer joven, con el manto caído sobre los hombros, con la cabeza levemente inclinada y una pequeña sonrisa ingenua y melancólica que la dota de gran religiosidad.
Juan de Mesa (1583-1627)
Se formó como aprendiz en el taller de Montañés. Sus clientes fueron principalmente cofradías procesionales. El crucifijo es el tema más frecuente en su producción y en especial, las imágenes de Cristo antes de la muerte.
La culminación de su dramatismo está en El Jesús del Gran Poder de la Iglesia de este nombre en Sevilla. Es una imagen procesional de vestir, es la imagen sufriente y envejecida por la cruenta pasión.
Alonso Cano (1601-1667)
Fue un artista completo, pintor, escultor y arquitecto. Su producción pasa por tres momentos, sevillano, madrileño y granadino.
En Sevilla realiza el Retablo de la Iglesia de Nuestra Señora de Oliva de Lebrija. La Virgen de Oliva muestra su estilo idealizado, que aparece de forma solemne, casi hierática, recogiendo su manto en la parte superior.
Para la catedral de Granada hace una Inmaculada. Con la cabeza inclinada, abstraída, parece sobreponerse al espacio y al tiempo. El manto la envuelve en amplias curvas. Se trata de pequeñas imágenes con las que crea tipos nuevos, con un equilibrio armónico entre el idealismo y el realismo.
Pedro de Mena (1628-1688)
Es el gran maestro de la escultura en Granada y fue colaborador de Alonso Cano. Su estilo desde gran virtuosismo. Le gusta la quietud, concentrando la atención en la cabeza y las manos. Huye de la exaltación del dolor, sus rostros están levemente estilizados, sus figuras son lánguidas y contemplativas.
Dos de sus mejores estatuas son el San Francisco de la catedral de Toledo y la Magdalena Penitente para los jesuitas de Madrid. Ésta última, es una figura juvenil, llena de angustia, que sujeta con fuerza un crucifijo con la mano izquierda y con la derecha se oprime el corazón. El punto de mayor expresividad es el rostro, que da idea de inmenso sufrimiento y que proclama la contenida emoción de un arrepentimiento.
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